TOP 10 Stanley Kubrick

STANLEY KUBRICK (Nueva York, EEUU, 1928 – Hertfordshire, Inglaterra, Reino Unido, 1999)
Cineasta de adaptaciones literarias y del lado oscuro de la naturaleza humana

«La pantalla es un medio mágico. Tiene poder para mantener el interés, y transmite unas emociones y unos estados de ánimo
que ninguna otra forma de arte puede transmitir»

Stanley Kubrick

1. SENDEROS DE GLORIA
(Paths of Glory, 1957)

2. 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO
(2001: A Space Odyssey, 1968)

3. LA NARANJA MECÁNICA
(A Clockwork Orange, 1971)

4. ESPARTACO
(Spartacus, 1960)

5. ATRACO PERFECTO
(The Killing, 1956)

6. BARRY LYNDON
(Barry Lyndon, 1975)

7. EL RESPLANDOR
(The Shining, 1980)

8. EYES WIDE SHUT
(Eyes Wide Shut, 1999)

9. ¿TELÉFONO ROJO? VOLAMOS HACIA MOSCÚ
(Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, 1964)

10. LA CHAQUETA METÁLICA
(Full Metal Jacket, 1987)

 Mención extra: LOLITA
(Lolita, 1962)

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TOP 10 Sergio Martino

SERGIO MARTINO (Roma, Italia, 1938) 
Director, productor y guionista de cine italiano. Maestro del giallo y explotador de géneros

«Cuando realizas muchos ‘westerns‘, ‘gialli‘ o ‘polizieschi‘ tiendes a caer en la rutina. Por eso impregno mis obras de un toque personal»

Sergio Martino

1. TORSO: VIOLENCIA CARNAL
(I Corpi presentano Tracce di Violenza Carnale, 1973)

2. LA COLA DEL ESCORPIÓN
(La Coda dello Scorpione, 1971)

3. LA PERVERSA SEÑORA WARD
(Lo Strano Vizio della Signora Wardh, 1971)

4. TODOS LOS COLORES DE LA OSCURIDAD
(Tutti i Colori del Buio, 1972)

5. VICIOS PROHIBIDOS
(Il Tuo Vizio è una Stanza Chiusa e Solo Io ne ho la Chiave, 1972)

6. MILÁN TIEMBLA, LA POLICÍA PIDE JUSTICIA
(Milano Trema – La Polizia vuole Giustizia, 1973)

7. MANNAJA (EL VALLE DE LA MUERTE)
(Mannaja, 1977)

8. EXTRAÑA MUERTE DE UNA MENOR
(Morte Sospetta di una Minorenne, 1975)

9. LA ISLA DE LOS HOMBRES PECES
(L’isola degli Uomini Pesce, 1979)

10. DESTROYER (EL BRAZO DE ACERO)
(Vendetta del Futuro, 1986)

 Mención extra: 2019, TRAS LA CAÍDA DE NUEVA YORK
(2019 – Dopo la Caduta di New York, 1983)

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TOP 15 Actores de spaguetti western

1. Franco Nero
(San Próspero, Parma, Italia, 1941)

2. Lee Van Cleef
(Somerville, Massachusetts, EEUU, 1925 – Los Ángeles, California, EEUU, 1989)

3. Clint Eastwood
(San Francisco, California, EEUU, 1930)

4. Gian Maria Volonté
(Milán, Italia, 1933 – Florina, Grecia, 1994)

5. Gianni Garko
(Zadar, Croacia, 1935)

6. Tomás Milián
(La Habana, Cuba, 1933 – Miami, Florida, EEUU, 2017)

7. Eli Wallach
(Nueva York, EEUU, 1915 – 2014)

8. Giuliano Gemma
(Roma, Italia, 1938 – Civitavecchia, Italia, 2013)

9. Anthony Steffen
(Roma, Italia, 1930 – Río de Janeiro, Brasil, 2004)

10. Klaus Kinski
(Sopot, Ciudad libre de Dánzig/Polonia, 1926 – Lagunitas, California, EEUU, 1991)

11. William Berger
(Los Ángeles, California, EEUU, 1928 – Innsbruck, Austria, 1993)

12. George Hilton
(Montevideo, Uruguay, 1934 – Roma, Italia, 2019)

13. Peter Lee Lawrence
(Lindau, Baviera, Alemania, 1944 – Roma, Italia, 1974)

14. Eduardo Fajardo
(Meis, Pontevedra, España, 1924 – Ciudad de México, México, 2019)

15. Luigi Pistilli
(Grosseto, Italia, 1929 – Milán, Italia,  1996)

Mención extra: Fernando Sancho
(Zaragoza, España, 1916 – Madrid, España, 1990)

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TOP 65 Cine de animación

No incluye cortometrajes 

«Me gusta la expresión ‘posibilidades perdidas’. Nacer significa estar obligado a elegir una época, un lugar y una vida.
Existir aquí, ahora, significa perder la posibilidad de ser otras innumerables personalidades potenciales»

Hayao Miyazaki

1. EL BARÓN FANTÁSTICO (Baron Prásil – The Fabulous Baron Munchausen)
Karel Zeman (CHE, 1962). Stop motion. Cut-out

2. LAS AVENTURAS DEL PRÍNCIPE ACHMED (Die Abenteuer des Prinzen Achmed)
Lotte Reiniger (ALE, 1926). Sombras chinescas

3. EL PLANETA SALVAJE (La Planéte Sauvage)
René Laloux (FRA/CHE, 1973). Cut-out

4. EL FLAUTISTA DE HAMELÍN (Krysar)
Jiří Barta (CHE/RDA, 1985). Stop motion. Marionetas. Mediometraje

5. PINOCHO (Disney’s Pinocchio)
Ben Sharpsteen & Hamilton Luske (EEUU, 1940)

6. LA PRINCESA MONONOKE (Mononoke-hime)
Hayao Miyazaki (JAP, 1997)

7. EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO (Sen Noci Svatojanske)
Jiří Trnka (CHE, 1959). Stop motion. Marionetas

8. ALICE (Neco z Alenky)
Jan Švankmajer (CHE/SUI/GB/ALE, 1988). Stop motion. Marionetas

9. BELLADONNA OF SADNESS (Kanashimi no Beradona)
Eiichi Yamamoto (JAP, 1973)

10. THE TRAGEDY OF MAN (Az Ember Tragédiája)
Marcell Jankovics (HUN, 1988-2011)

11. VIAJE A LA PREHISTORIA (Cesta do Praveku)
Karel Zeman & Fred Ladd (CHE, 1955). Stop motion

12. LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS (Hotaru no Haka)
Isao Takahata (JAP, 1988)

13. KING KONG
Merian C. Cooper & Ernest B. Schoedsack  (EEUU, 1933). Stop motion

14. AKIRA
Katsuhiro Ôtomo (JAP, 1988)

15. EL CUENTO DEL ZORRO (Le Roman de Renard)
Wladyslaw Starewicz & Irene Starewicz (FRA, 1937). Stop motion. Marionetas

16. EL CUENTO DE LA PRINCESA KAGUYA (Kaguya-hime no Monogatari)
Isao Takahata (JAP, 2013)

17. THE CAT WHO WALKED BY HERSELF (Koshka, Kotoraya gulyala sama po sebe)
Ideya Garanina (URSS, 1988). Stop motion. Marionetas

18. CUANDO EL VIENTO SOPLA (When the Wind Blows)
Jimmy T. Murakami (GB, 1986)

19. MI VECINO TOTORO (Tonari no Totoro)
Hayao Miyazaki (JAP, 1988)

20. JASÓN Y LOS ARGONAUTAS (Jason and the Argonauts)
Don Chaffey (GB/EEUU, 1963). Stop motion

21. OREJAS LARGAS (LA COLINA DE WATERSHIP) (Watership Down)
Martin Rosen (GB, 1978)

22. HIROSHIMA (Hadashi no Gen)
Mori Masaki (JAP, 1983)

23. UNA INVENCIÓN DIABÓLICA (Vynález Zkázy)
Karel Zeman (CHE, 1958). Stop motion

24. FEHÉRLÓFIA (The Son of the White Horse)
Marcell Jankovics (HUN, 1982)

25. GRAND PRIX EN LA MONTAÑA DE LOS INVENTOS (Flåklypa Grand Prix)
Ivo Caprino (NOR, 1975). Stop motion. Marionetas

26. EL REY Y EL RUISEÑOR (Le Roi et L’oiseau)
Paul Grimault (FRA, 1979)

27. EL NIÑO QUE QUERÍA SER UN OSO (Drengen der Ville Gøre det Umulige)
Jannik Hastrup (DIN/FRA, 2002)

28. EL NUEVO GULLIVER (Novyy Gulliver)
Aleksandr Ptushko (URSS, 1935). Stop motion. Marionetas

29. LA DONCELLA DE NIEVE (Snegurochka)
Ivan Ivanov-Vano (URSS, 1952)

30. VIEJAS LEYENDAS CHECAS (Staré Povesti Ceské)
Jirí Trnka (CHE, 1953). Stop motion. Marionetas

31. 101 DÁLMATAS (101 Dalmatians)
Wolfgang Reitherman, Clyde Geronimi & Hamilton Luske (EEUU, 1961). Xerografía

32. ROSA MAGNÉTICA (Memorîzu: Kanojo no Omoide)
Kōji Morimoto (JAP, 1995). Mediometraje

33. SIMBAD Y LA PRINCESA (The 7th Voyage Of Sinbad)
Nathan Juran (EEUU, 1958). Stop motion

34. CRULIC, CAMINO AL MÁS ALLÁ (Crulic – Drumul Spre Dincolo)
Anca Damian (RUM/POL, 2011). Stop motion. Collage

35. MIND GAME (Maindo Gêmu)
Masaaki Yuasa (JAP, 2004). Rotoscopia

36. TIEMPOS HEROICOS (Daliás Idök)
József Gémes (HUN, 1983)

37. EL PEQUEÑO NEZHA PELEA CONTRA LOS GRANDES REYES DE LOS DRAGONES (Nezha nao hai)
Yan Ding Xian, Wang Shuchen & Jingda Xu Kubal (CHI, 1979). Mediometraje

38. FANTASÍA (Fantasia)
Varios directores (EEUU, 1940)

39. PERFECT BLUE (Pâfekuto Burû)
Satoshi Kon (JAP, 1997)

40. EL MONSTRUO DE LOS TIEMPOS REMOTOS (The Beast from 20,000 Fathoms)
Eugène Lourié (EEUU, 1953). Stop motion

41. JUAN, EL PALADÍN (János Vitéz)
Marcell Jankovics (HUN, 1973)

42. LOS CONSPIRADORES DEL PLACER (Spiklenci Slasti)
Jan Švankmajer (CZE/SUI/GB, 1996). Stop motion

43. THE KING OF PIGS (Dae gi eui wang)
Yeon Sang-ho (COR, 2011)

44. EL HUEVO DEL ÁNGEL (Tenshi no Tamago)
Mamoru Oshii (JAP, 1985)

45. RICITOS (Zlatovláska)
Hermína Týrlová & Jan Dudešek (CHE, 1955). Stop motion. Marionetas. Mediometraje

46. GANDAHAR, LOS AÑOS LUZ  (Gandahar, les Années Lumière)
René Laloux (FRA/PRK, 1988)

47. ADVENTURES OF ROBINSON CRUSOE, A SAILOR FROM YORK (Dobrodruzství Robinsona Crusoe, Námorníka z Yorku)
Stanislav Látal (CHE/RFA, 1982). Marionetas

48. BLANCANIEVES (Hófehér)
József Nepp (HUN, 1984)

49. PORCO ROSSO (Kurenai no Buta)
Hayao Miyazaki (JAP, 1992)

50. ALOIS NEBEL
Tomáš Lunák (CZE, 2011). Rotoscopia

51. THE BLOODY LADY (Krvavá Pani)
Vyktor Kubal (CHE, 1980)

52. BIENVENIDOS A BELLEVILLE (Les Triplettes de Belleville)
Sylvain Chomet (FRA/BEL/CAN, 2003)

53. EL GIGANTE DE HIERRO (The Iron Giant)
Brad Bird (EEUU, 1999)

54. LA PISTA DEL LAGO DE PLATA (Die Spur führt zum Silbersee)
Günter Rätz (RDA, 1989). Stop motion. Marionetas

55. CRISTAL OSCURO (The Dark Crystal)
Jim Henson & Frank Oz (EEUU/GB, 1982). Marionetas

56. JIN-ROH: LA BRIGADA DEL LOBO (Jin-Rô)
Hiroyuki Okiura (JAP, 1998)

57. KIRIKÚ Y LA BRUJA (Kirikou et la Sorcière)
Michel Ocelot (FRA/BEL/LUX, 1998)

58. ARRUGAS
Ignacio Ferreras (ESP, 2011)

59. LA JOVEN CHICA SIN MANOS (La Jeune Fille sans Mains)
Sébastien Laudenbach (FRA, 2016)

60. VALS CON BASHIR (Waltz with Bashir)
Ari Folman (ISR, 2008). Rotoscopia

61. LA VIDA DE CALABACÍN (Ma Vie de Courgette)
Claude Barras (SUI/FRA, 2016). Stop motion. Claymation

62. FIMFÁRUM JANA WERICHA
Aurel Klimt & Vlasta Pospísilová (CZE, 2002). Stop motion. Marionetas

63. CHRONOPOLIS
Piotr Kamler (POL/FRA, 1983). Stop motion. Mediometraje

64. LA TORTUGA ROJA (La Tortue Rouge)
Michael Dudok de Wit (FRA/JAP, 2016)

65. LA CASA LOBO
Joaquín Cociña & Cristóbal León (CHL, 2018). Stop motion

Mención extra: L’ANGE
Patrick Bokanowski (FRA, 1982)

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CABEZA BORRADORA

Eraserhead

Estados Unidos, 1977. 90 min. B/N

Director: DAVID LYNCH. Guión: David Lynch. Música: Peter Ivers. Fotografía: Frederick Elmes. Intérpretes: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Jeanne Bates, Judith Anna Roberts, Darwin Joston, T. Max Graham.

 «Resulta muy divertido crear estos mundos extraños y tener una experiencia.
Vivimos en un mundo que muchas veces es peor que cualquier cosa que podamos imaginar»

David Lynch

David Lynch abre las puertas del inconsciente para mostrar universos extraños, a veces aterradores y salvajes, pero siempre reveladores y fascinantes. Admirador de Tati, Bergman y Herzog, su amor por el surrealismo queda patente en su obra, cuya misteriosa atmósfera mezcla lo cotidiano con lo soñado. Tras varios cortometrajes experimentales sobre la corrupción del cuerpo humano (1966-1970), su debut-suicida fue Cabeza Borradora, su filme más alucinado y personal. Convertida en un clásico de culto, la película se rodó con solo cinco mil dólares y un equipo técnico de cuatro personas, iniciándose su rodaje en 1971 y no finalizando hasta cinco años después. Lynch la llama su «Historia de Philadelphia», refiriéndose al hecho de que con ella quiso reflejar los temores y la ansiedad que experimentó cuando vivió en dicha ciudad. Metáfora de la imposibilidad de ser feliz en un mundo miserable y llena de elementos desasosegantes, Cabeza Borradora se construye como una pesadilla posmoderna que parece extraída del subconsciente más recóndito y siniestro de la psique humana.

Neurótico y raro, con tupé vertical y andares de comediante patético, Henry Spencer (Jack Nance, aquí también productor) vive en un sórdido apartamento en medio de una deprimente jungla industrial habitada por seres autómatas y freaks cuyos cuerpos se retuercen entre abyección y charcos de petróleo, cables y tuberías. Después de cenar gallina-en-miniatura-que-patalea-y-defeca-sangre en casa de los padres de su novia Mary (Charlotte Stewart), Henry se entera que es padre de un bebé prematuro y deforme. Madre e hijo se instalan en la vivienda de Henry. Los padres novatos intentan querer a la indefensa criatura, cada vez más enferma y monstruosa, pero sus incesantes lloros y su piel resbalosa asquean al hombre. Fantaseando sobre una mujer rubia con mejillas de ardilla que canta en un escenario mientras pisotea cordones umbilicales, Henry imagina que su cabeza se desprende del cuerpo, es sustituida por la del bebé y llevada a una fábrica donde la convertirán en material para lápices borradores.

David Lynch parece plasmar el pánico del hombre (varón) ante la vida conyugal, el horror ante la (irreversible) paternidad indeseada y una obsesiva aversión por la reproducción y nutrición. En Cabeza Borradora la claustrofobia surge de lo cotidiano, el semen es escoria y lo corporal deviene pura nausea. Transmisora de fascinación y repugnancia al mismo tiempo y plagada de oscuros simbolismos y significados alegóricos, no cabe duda que en cierto sentido la película del director estadounidense entronca con la obra de visionarios de la Nueva Carne como Cronenberg y Barker, quienes centran el espanto y el verdadero horror en la grima hacia el propio cuerpo y no ya en las tinieblas o monstruos sobrenaturales.

La ópera prima de David Lynch, influenciada por el expresionismo alemán, el surrealismo de Jean Cocteau y Luis Buñuel y el cine fantástico de serie B norteamericano, se asemeja a un mal sueño, «un sueño de cosas tenebrosas y turbadoras» según sus propias palabras. De narración borgiana y a tajo de melodrama de realidades deformadas, mutaciones orgánicas y estética de proximidad punk, el director de El Hombre Elefante hurga en todo aquello que es absurdo, grotesco, enfermizo y repulsivo. A este cometido contribuye decisivamente la excepcional fotografía en blanco y negro de Frederick Elmes y la original banda sonora industrial y de zumbidos eléctricos de Peter Ivers. Cabeza Borradora ha sido comparada con la puesta en escena de El Gabinete del Doctor Caligari (1920), el futurismo urbano de Metrópolis (1926) y el paisaje onírico de Un Perro Andaluz (1929).

Gracias a su fuerte personalidad y a pesar de las múltiples referencias, o precisamente por la combinación de ambos factores, Eraserhead se erige en una obra maestra subterránea y única que, transcurridos ya más de cuarenta años desde su realización, está condenada a no tener descendencia. Es un cuento de anormalidad bizarro y con trazos de legítima ironía y sarcasmo, una inquietante oda a la fealdad que agrede los ojos y la mente y nos hace descender a nuestros miedos más hondos. Poesía oscura. Es romántica y depresiva.

«En el cielo todo es maravilloso, en el cielo todo es maravilloso. Tú conseguiste lo que querías y lo que quiero yo»

Fragmento de la canción interpretada por Judith A. Roberts, en Cabeza Borradora

TOP 20 Gian Maria Volonté

GIAN MARIA VOLONTÉ (Milán, Italia, 1933 – Florina, Grecia, 1994)
Actor de talante comprometido y gran intensidad expresiva, especialmente de cine italiano político y de denuncia

«Ser actor es una cuestión de opciones… O exprimimos la estructura conservadora de la sociedad y así uno se contenta con ser un robot en manos del poder, o al contrario, miramos los componentes progresivos de la sociedad para intentar una visión revolucionaria del arte y de la vida»

Gian M. Volonté

1. CRISTO SE PARÓ EN ÉBOLI (Cristo si è Fermato a Eboli)
Francesco Rosi, 1979

2. LA MUERTE TENÍA UN PRECIO (Per Qualche Dollaro in Più)
Sergio Leone, 1965

3. INVESTIGACIÓN SOBRE UN CIUDADANO LIBRE DE TODA SOSPECHA (Indagine su un Cittadino al di Sopra di Ogni Sospetto)
Elio Petri, 1970

4. CÍRCULO ROJO (Le Cercle Rouge)
Jean-Pierre Melville, 1970

5. TODO MODO
Elio Petri, 1976

6. SACCO Y VANZETTI (Sacco e Vanzetti)
Giuliano Montaldo, 1971

7. GIORDANO BRUNO
Giuliano Montaldo, 1973

8. CARA A CARA (Faccia a Faccia)
Sergio Sollima, 1967

9. THE ABYSS (L’oeuvre au Noir)
André Delvaux, 1988

10. POR UN PUÑADO DE DÓLARES (Per un Pugno di Dollari)
Sergio Leone, 1964

11. LA CLASE OBRERA VA AL PARAÍSO (La Classe Operaia va in Paradiso)
Elio Petri, 1971

12. EL CASO MATTEI (Il Caso Mattei)
Francesco Rosi, 1972

13. BANDIDOS EN MILÁN (Banditi a Milano)
Carlo Lizzani, 1968

14. OPERACIÓN OGRO
Gillo Pontecorvo, 1979

15. HOMBRES CONTRA LA GUERRA (Uomini Contro)
Francesco Rosi, 1970

16. TENGO MIEDO (Io ho Paura)
Damiano Damiani, 1977

17. YO SOY LA REVOLUCIÓN (El Chuncho, Quién Sabe?)
Damiano Damiani, 1966

18. LUCKY LUCIANO
Francesco Rosi, 1973

19. LA ARMADA BRANCALEONE (L’armata Brancaleone)
Mario Monicelli, 1966

20. NOTICIA DE UNA VIOLACIÓN EN PRIMERA PÁGINA (Sbatti il Mostro in Prima Pagina)
Marco Bellocchio, 1972

Mención extra: LA CHICA CON LA MALETA (La Ragazza con la Valigia)
Valerio Zurlini, 1961

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TOP 15 Alfred Hitchcock

ALFRED HITCHCOCK (Londres, Inglaterra, Reino Unido, 1899 – Los Ángeles, California, EEUU, 1980)
El mago del suspense y creador del MacGuffin

«Imagínese a un hombre sentado en el sofá favorito de su casa. Debajo tiene una bomba a punto de estallar. Él lo ignora, pero el público lo sabe. Esto es el suspense»

Alfred Hitchcock

1. VÉRTIGO (DE ENTRE LOS MUERTOS)
(Vertigo, 1958)

2. PSICOSIS
(Psycho, 1960)

3. REBECA
(Rebecca, 1940)

4. ENCADENADOS
(Notorious, 1946)

5. LA SOMBRA DE UNA DUDA
(Shadow of a Doubt, 1943)

6. CON LA MUERTE EN LOS TALONES
(North by Northwest, 1959)

7. LA SOGA
(The Rope, 1948)

8. LA VENTANA INDISCRETA
(Rear Window, 1954)

9. 39 ESCALONES
(The 39 Steps, 1935)

10. FALSO CULPABLE
(The Wrong Man, 1956)

11. FRENESÍ
(Frenzy, 1972)

12. LOS PÁJAROS
(Alfred Hitchcock’s The Birds, 1963)

13. EXTRAÑOS EN UN TREN
(Strangers on a Train, 1951)

14. CRIMEN PERFECTO
(Dial M for Murder, 1954)

15. EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO
(The Man Who Knew Too Much, 1956)

Mención extra: PERO… ¿QUIÉN MATÓ A HARRY?
(The Trouble with Harry?, 1955)

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PATHER PANCHALI (LA CANCIÓN DEL CAMINO)

Pather Panchali

India, 1955. 115 min. B/N

Director: SATYAJIT RAY. Guión: Satyajit Ray. Música: Ravi Shankar. Fotografía: Subrata Mitra. Intérpretes: Kanu Bannerjee, Karuna Bannerjee, Uma Das Gupta, Subir Bannerjee, Chunibala Devi.

«No haber visto el cine de Ray es como existir en este mundo sin haber visto el sol o la luna»

Akira Kurosawa

Pather Panchali (La Canción del Camino) es una de las irrefutables maravillas del cine universal y una de las óperas primas más memorables de la historia del cine. Ganadora del Premio al Mejor Documento Humano en el Festival de Cannes de 1955, su visionado provocó una sensación parecida a la que produjo en Venecia Rashômon (1950), abriendo al mundo los ojos a un cine nacional hasta entonces ignorado y descubriendo un director excepcional. El mismo Kurosawa dijo: «No puedo nunca olvidarme del entusiasmo que sentía en la cabeza después de haberla visto. Es el tipo de cine que fluye con la serenidad y nobleza de un gran río».

El bengalí Satyajit Ray (Calcuta, 1921-1992), nacido en una importante familia de literatos y artistas, firmó guiones, eligió repartos, dirigió y produjo todas sus películas, casi cuarenta. También fue escritor, editor, diseñador gráfico y crítico de cine. Ray está considerado uno de los grandes artistas del siglo XX por su infrecuente maestría en el oficio de hacer cine. Su estilo es sutil y austero, pero capaz de extraer poesía de cada fotograma. Muy sensible a la gente de Bengala y las cambiantes condiciones económicas y políticas de la India, confrontando nuevos y antiguos valores, su obra ostenta, no obstante, un interés cinematográfico y humanitario universal, sobrepasando las barreras culturales y lingüísticas.

Basada en una novela de Bibhutibhushan Bandyopadhyay, Pather Panchali fue la primera película de la Trilogía de Apu, completada por las correlativas Apajarito (1956) y Apur Sansar (1959), las cuales siguen la vida de Apu hasta que es adulto. Narra la historia, a principios de los años veinte, de una familia bengalí pobre que vive en una remota aldea rural. El padre, Harihara Hari Roy (Kanu Bannerjee), es un sacerdote seglar humilde y soñador que viajará a otra comarca en busca de trabajo. La madre, Sarvajaya Sabajaya (Karuna Bannerjee), por su parte, tiene la responsabilidad de criar a su traviesa hija Durga (Uma Das Gupta). Con ellos vive la anciana Indira (excepcional Chunibala Devi), prima del padre. La familia recibe con alegría y esperanza el nacimiento de un nuevo hijo, Apu (de nombre y apellido Apurba Kumar Raj), interpretado por Subir Bannerjee.

El filme es un bello y melancólico poema sobre la naturaleza humana, donde la realidad es idealizada a través de la mirada inocente de un niño (la más bonita del cine junto a la de Ana Torrent), transformándola. Ray contrasta la inmensa fuerza lírica de algunas secuencias con pasajes en los que hace crónica cotidiana, aproximándose al Neorrealismo italiano. Inspirada en las creencias del poeta filósofo Rabindranath Tagore, Pather Panchali –donde pather significa «del camino» en bengalí y panchali alude a un tipo de canción folclórica–, la película abraza el panteísmo, doctrina según la cual el universo, la Naturaleza y Dios son equivalentes. El dicho «canción del camino» se refiere al padre de Apu, un trotamundos condenado a hacer camino y recodar, con gran pesadumbre, la miseria y desamparo en que vive su familia.

La película de Ray resulta tan convincente que parece realidad. El autor demuestra poseer un sentido de los ritmos y los sucesos naturales (el devenir cotidiano) deslumbrante, atesorando su dirección gran delicadeza. Escenas inolvidables invaden la pantalla, como cuando Indira llora de alegría al ver por primera vez su nieto, o aquella en que la enferma Durga baila bajo la lluvia dando la bienvenida al monzón. Fotografiada por Subrata Mitra con detalle en radiante blanco y negro, y rodada en espacios naturales a largo de tres años con actores no profesionales, la cinta se narra de forma cronológica y utilizando principalmente planos largos y estáticos. La hermosa música que acompaña a Pather Panchali corre a cargo del gran Ravi Shankar, conocido mundialmente como virtuoso del sitar.

Llena de amor y devota de la vida y de sus bellezas ocultas y reveladoras, este ensayo existencial y sobre el curso de la vida, pleno de sabiduría y sensibilidad, es una delicia que encumbra al arte llamado cine y cuya mayor virtud es dar apariencia de verdad a lo que sólo es, precisamente, arte, artificio.

«Niña, no te acerques al agua. Quédate quieta y espera. Mira que yo soy la Muerte»

PLANETA SALVAJE, EL

La Planéte Sauvage

Francia, Checoslovaquia, 1973. 73 min. C

Dirección: RENÉ LALOUX. Guión: René Laloux, Steve Hayes, Roland Topor (Novela: Stefan Wul). Música: Alain Goraguer. Diseño gráfico: Roland Topor. Intérpretes: Animación.

«Ya no se mueve. Qué pena, ahora ya no podremos seguir jugando con ella»

Niño draag

La Planéte Sauvage, realizada por René Laloux, no solo es un título inscrito con letras de oro dentro de la mejor tradición del cine de animación para adultos, sino también una de las películas de ciencia ficción más brillantes realizadas en Europa. Transcurridos ya casi cincuenta años desde su estreno en 1973, cuando ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes, es improbable que se ruede otro largometraje animado tan raro y sugestivo como este clásico del underground francés, el cual asombra tanto por su desbordante fantasía y creatividad como por el inmediato propósito que provoca su visionado: no pisar nunca más una hormiga.

René Laloux (1929-2004) es uno de los maestros de la animación europea del siglo XX junto a otros ilustres como Karel Zeman, Jiří Trnka, Wladyslaw Starewicz, Lotte Reiniger, Jan Švankmajer o Yuriy Norshteyn, por citar solo algunos nombres, la mayoría expertos cultivadores de la técnica stop-motion y el arte de las marionetas, especialmente los provenientes de la escuela de animación checoslovaca durante la época comunista. Inmerso desde siempre en el mundo de la pintura y las expresiones artísticas, el francés empezó su andadura cinematográfica con Les Dents du Singe en 1960, un cortometraje realizado con la ayuda de los internos de la clínica psiquiátrica Cour Cheverny de París. El autor, en permanente evolución de estilo y técnica, trabajaría con los ilustradores de cómic más destacados de su generación: Roland Topor (Les Temps Morts, Les Escargots y La Planéte Sauvage), Jean Giraud, alias Moëbius (Les Maîtres du Temps) y Philippe Caza (Comment Wang Fô fut sauvé, La Prisonnière y Gandahar, les Années Lumière, realizada ésta a partir de un guión adaptado de Isaac Asimov).

El mayor mérito y rasgo distintivo de René Laloux es ser matriz conceptual de un subgénero que le pertenece por entero. El de Laloux, además de un raro ejemplo de animación hecha con recortes sueltos y sin uniones, por lo menos en sus trabajos iniciales y en El Planeta Salvaje, es ciencia ficción exótica y de estética surrealista que combina interesantes planteamientos metafísicos con otros de carácter social y político. Principalmente, sus filmes son epopeyas intergalácticas, viajes en el tiempo o paradojas espacio-temporales que exploran supramundos oníricos habitados por formas biológicas extrañas, tan bellas como siniestras. Asimismo, destacan por la crítica pacifista pero mordaz de sus argumentos hacia nuestra propia naturaleza humana, a menudo cruel y megalómana, presentándonos, no obstante, como víctimas.

El Planeta Salvaje, película producida entre Francia y Checoslovaquia y distribuida en Estados Unidos por Roger Corman, se basa en la novela «Oms en Série» (1957) escrita por el novelista francés Stefan Wul. Con ciertos paralelismos con El Planeta de los Simios (1968), de Franklin J. Schaffner, el filme de René Laloux ofrece una mirada política de la sociedad, consecuencia seguramente –máxime teniendo en cuenta el régimen de coproducción– de la invasión soviética de Checoslovaquia a finales de los años sesenta. El Planeta Salvaje es una parábola del comportamiento humano que reflexiona sobre temas como la tiranía, la opresión y las eternas desigualdades que promueve el abuso de poder. De talante contestatario pero de intenciones didácticas, Laloux aboga por la coexistencia pacífica y la tolerancia entre seres y da la solución a la supervivencia: el conocimiento mutuo y compartido de lo ajeno.

La película su ubica en el lejano planeta Ygam, donde viven unas criaturas gigantescas llamadas draags que han sometido a los pequeños oms. Los draags son una raza de seres alienígenas con forma humanoide de piel azul, orejas como aletas de pez y enormes ojos rojos, una civilización ultra-avanzada de ciclópea capacidad mental y mágica espiritualidad. Por su parte, los oms (derivado de «hommes») son los descendientes de los humanos, una molesta pero domesticable plaga migratoria, inferiores en tamaño y reducidos a meras mascotas de entretenimiento o a proscrita criatura salvaje. En este contexto, el joven om llamado Terr (abreviación de «terrible»), adoptado como animalillo por la niña draag Tiva, tras aprehender los secretos de sus amos, logra escapar y convertirse en el líder de una tribu rebelde. El choque entre draags y oms, ambos inteligentes y amenazados entre sí, parece inevitable. 

El Planeta Salvaje es un trayecto de autodescubrimiento que se muestra a modo de tebeo gráfico y con el lenguaje de la fábula. El excéntrico Roland Topor (1938-1997), con la inestimable ayuda de un grupo de animadores de la mítica escuela checa capitaneado por Josef Kábrt y Josef Vania, es el encargado de diseñar este ecosistema de seres y enseres irreales cuyo universo tan pronto remite a los cuadros de Salvador Dalí como a los de Giorgio de Chirico. A nivel técnico, el filme fue desarrollado mediante la técnica cut-out, la cual utiliza recortes de los objetos (en este caso ilustraciones) para animarlos en una especie de stop-motion bidimensional. Los dibujos están hechos con trazos sencillos y en tonos pastel. El discurrir es hipnótico y la puesta en escena fría, seca y teatral, optándose muchas veces por unos planos generales que parecen revelar la presencia de una invisible entidad superior que contempla impasible los acontecimientos, acusando aquello de qué-difícil-es-ser-Dios. El complemento idóneo a la imagen y el misterio lo pone la música electrónica-orquestal-ambiental compuesta por Alain Goraguer.

En definitiva, toda una lisergia audiovisual que poco, o nada, tiene que ver con Disney. Y es que La Planéte Sauvage, del gran René Laloux, es un espécimen único e imperdible que se encuentra entre las obras más extrañas y a la vez influyentes del cine de animación europeo, uno con ideas y conceptos tan fascinantes y repletos de recovecos poliédricos y segundas lecturas, de matices políticos, sociales, filosóficos e incluso lingüísticos, que la han elevado a estatus de auténtico culto cinéfilo.

CASA DE LAS VENTANAS QUE RÍEN, LA

La Casa dalle Finestre che Ridono

Italia, 1976. 110 min. C

Dirección: PUPI AVATI. Guión: Antonio Avati, Pupi Avati, Gianni Cavina, Maurizio Costanzo. Música: Amedeo Tommasi. Fotografía: Pasquale Rachini. Intérpretes: Lino Capolicchio, Francesca Marciano, Gianni Cavina, Giulio Pizzirani, Bob Tonelli, Vanna Busoni, Pietro Brambilla, Ferdinando Orlandi.

El demonio se agita a mi lado sin cesar;
flota a mi alrededor cual aire impalpable;
lo respiro, siento cómo quema mi pulmón
y lo llena de un deseo eterno y culpable.

A veces toma, conocedor de mi amor al arte,
la forma de la más seductora mujer,
y bajo especiales pretextos hipócritas
acostumbra mi gusto a nefandos placeres

Las Flores del Mal. Charles Baudelaire

Esta autoral propuesta de terror atmosférico, también titulada Pacto de Sangre, consagró al genuino escritor, director cinematográfico, productor y guionista –por ejemplo, en Saló, o los 120 días de Sodoma y Macabro– Giuseppe Avati (Bolonia, 1938), conocido con el apodo «Pupi», en uno de los mejores nombres dentro del fantástico italiano. Hermano mayor del igualmente cineasta Antonio, estudiante de ciencias políticas en la Universidad de Florencia y en sus inicios músico de jazz (de 1959 a 1962 formó parte de la Doctor Dixie Jazz Band como clarinetista, pero abandonó después de unirse a la banda de Lucio Dalla), su heterodoxia fílmica le hizo virar del Neorrealismo al orrore, pasando por el drama histórico, las aventuras, la comedia y hasta el musical.

En unos años en los que la producción de gialli empezó a diluirse y a mezclarse inevitablemente con un tipo de horror más gótico o sobrenatural, Pupi Avati confeccionó en 1976 La Casa de las Ventanas que Ríen. Para ello, según confesión propia, se inspiró en dos fuentes de perspectiva antropológica: por un lado, la crónica de sucesos («un hecho acontecido en el pueblo de Sasso Marconi poco antes de la I Guerra Mundial») y, por otro, la fábula campesina («la tradición, las leyendas del pueblo y la superstición típicamente italiana, un tesoro inestimable que merecía su espacio en nuestro cine»). El resultado fue una pieza macabra de gusto sorprendentemente italiano e intangible pavor donde la funesta naturaleza se basa en la sugerencia y la monstruosidad acecha tras lo cotidiano.

A la manera de El Hombre de Mimbre (1972), de Robin Hardy, la línea argumental de La Casa de las Ventanas que Ríen se centra en la conspiración de una comunidad arrogante que convierte al forastero en víctima de una ordalía endogámica en un contexto de omertà casi metafísica y surreal. La película de Avati, que da inicio con un inquietante montaje de imágenes (un hombre colgado de las manos en ropa interior), presenta a un joven extranjero de ciudad llamado Stefano (Lino Capolicchio, un prolífico actor que participó en la sensacional Solamento Nero, de A. Bido), quien llega en los años cincuenta a un plácido y soleado pueblo rural de la región de Emilia-Romagna (misma ubicación que en La Violación de la Señorita Julia). Su cometido es restaurar un fresco del enigmático pintor local Buono Legnani, desaparecido en circunstancias misteriosas, que representa el martirio de San Sebastián, su último trabajo, y que permanece oculto bajo las paredes de la iglesia del pueblo.

La cinta hace gala de un acertado ritmo reposado que acompaña las indagaciones del protagonista conforme éste, ayudado por un borracho y una chica llamada Francesca (Francesca Marciano, habitual de Avati), va comprendiendo que algo extraño sucede y que la obra del llamado «pintor de la agonía» (por su manía en retratar personas en el punto de muerte) puede ser el fiel reflejo de la realidad. En verdad, el imperceptible deslizamiento hacia los infiernos de Stefano resultará ser un regreso a la semilla del horror de la misma civilización, tan celosamente custodiada por la venerable Iglesia y sólo accesible por la pulsión creativa del arte, aspectos que otorgan a la película cierto ánimo de crítica social y eclesiástica, a la vez que confirman la presencia recurrente en el giallo de la figura del artista como alguien con la sensibilidad adecuada para resolver el enigma (como David Hemmings en Rojo Oscuro, obra donde Avati, inicialmente, había colaborado con D. Argento).

La Casa de las Ventanas que Ríen (traducción literal del título original La Casa dalle Finestre che Ridono) es una mezcla inaudita de cuento terrorífico de elementos lovecraftianos y giallo naif, bajo cuyo manto se oculta un inquietante entramado de confesiones secretas, hipocresía social y sexualidades confusas. La atmósfera mórbida y progresivamente asfixiante, teñida de misterio y amenaza constante, hacen que la realidad de Stefano se convierta en una pesadilla. La apuesta de Pupi Avati por la austeridad formal y una ambientación rural, terrosa y luminosa, opuestas a las estridencias barrocas y los típicos espacios urbanos y nocturnos del giallo, es otro de los elementos que confirman la fuerte personalidad del filme.

Llegados a este punto no cabe duda que definitivamente estamos ante una de las más originales y competentes películas del fantaterror italiano, máxime si le sumamos la impecable factura técnica, algo de lo que escasean no pocos gialli y filmes góticos italianos. La mejor obra del director de Zeder, más preocupado por investigar los mecanismos del horror que por enseñar sus efectos y consecuencias, rehúye, o pervierte, muchos de los estilemas del sanguinolento giallo, subgénero que ya agonizaba después de su sobreexplotación en el primer lustro de los años setenta, por lo que sería discutible clasificarla como tal.

«Avati tiene el don de transmitir, mejor que ningún otro director, la repugnancia que sentimos cuando tememos lo peor, cuando miramos bajo las piedras o el polvo que hay debajo de una alfombra, cuando escuchamos tras la puerta unos desconocidos, y sus piedras, alfombras y puertas se ven forzadas a exponer los secretos más terribles que alberga el ser humano. Lo desconocido se convierte en un verdadero ‘Godot’ dentro de sus películas»

Tim Lucas