TOP 10 Películas ambientadas en Berlín

2. LA VIDA DE LOS OTROS (Das Leben der Anderen)
Florian Henckel von Donnersmarck, 2006

3. BERLÍN, SINFONÍA DE UNA CIUDAD (Berlin – Die Symphonie der Großstadt)
Walter Ruttman, 1927. Documental

4. YO, CRISTINA F. (Christiane F – Wir Kinder vom Bahnhof Zoo)
Uli Edel, 1981

5. EL CIELO SOBRE BERLÍN (Der Himmel über Berlin)
Wim Wenders, 1987

6. EL HUEVO DE LA SERPIENTE (Das Schlangenei)
Ingmar Bergman, 1977

7. LA POSESIÓN (Possession)
Andrzej Zulawski, 1981

8. BERLÍN OCCIDENTE (A Foreign Affair)
Billy Wilder, 1948

9. EL HUNDIMIENTO (Der Untergang)
Oliver Hirschbiegel, 2004

10. OH BOY
Jan Ole Gerster, 2012

Mención extra: BERLIN ALEXANDERPLATZ (TV)
Rainer Werner Fassbinder, 1980

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TOP 15 Películas ambientadas en Sicilia

2. EL PODER DE LA MAFIA (Mafioso)
Alberto Lattuada, 1962

3. SALVATORE GIULIANO
Francesco Rosi, 1962

4. SEDUCIDA Y ABANDONADA (Sedotta e Abbandonata)
Pietro Germi, 1964

5. LA AVENTURA (L’avventura)
Michelangelo Antonioni, 1960

6. STROMBOLI, TIERRA DE DIOS (Stromboli, Terra di Dio)
Roberto Rossellini, 1950

7. EL GATOPARDO (Il Gattopardo)
Luchino Visconti, 1963

8. EL DÍA DE LA LECHUZA (Il Giorno della Civetta)
Damiano Damiani, 1968

9. DIVORCIO A LA ITALIANA (Divorzio all’Italiana)
Pietro Germi, 1961

10. LOS CIEN PASOS (I Cento Passi)
Marco Tullio Giordana, 2000

11. CINEMA PARADISO (Nuovo Cinema Paradiso)
Giuseppe Tornatore, 1988

12. ¡SICILIA! (Sicilia!)
Danièle Huillet & Jean-Marie Straub, 1999

13. EL CARTERO (Y PABLO NERUDA) (Il Postino)
Michael Radford, 1994

14. CONFESIONES DE UN COMISARIO (Confessione di un Commissario di Polizia al Procuratore della Repubblica)
Damiano Damiani, 1971

15. EN NOMBRE DE LA LEY (In Nome della Legge)
Pietro Germi, 1949

Mención extra: COMISARIO MONTALBANO (Il Commissario Montalbano)
Alberto Sironi, 1999. Serie de TV

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SEÑORES DEL ACERO, LOS

Flesh+Blood

Estados Unidos, Holanda, España, 1985. 126 min. C

Dirección: PAUL VERHOEVEN. Guion: Paul Verhoeven (Historia: Gerard Soeteman). Música: Basil Poledouris. Fotografía: Jan de Bont. Intérpretes: Rutger Hauer, Jennifer Jason Leigh, Tom Burlinson, Jack Thompson, Fernando Hillbeck, Susan Tyrrell, Ronald Lacey, Brion James, John Dennis Johnston, Simón Andreu, Bruno Kirby, Kitty Courbois, Marina Saura, Hans Veerman, Jake Wood, Héctor Alterio, Blanca Marsillach.

«Me fascinó. En él se sugiere que la violencia, los tormentos, los sufrimientos y la desintegración del pasado son un compendio y al mismo tiempo un consuelo paralelo a nuestro turbulento presente. Es como mirarse en el espejo de un antiguo paisaje y ver tu propio rostro»

Paul Verhoeven, sobre el libro «Un Espejo Lejano», de Barbara W. Tuchman

La película nº 7 del holandés Paul Verhoeven es su primera coproducción norteamericano-europea, realizada antes de abandonar definitivamente la total libertad creativa de la que gozaba en su país en pos del encorsetamiento y merchandising de Hollywood. Rodada en un lustro donde proliferaban películas adscritas a la temática de espada y brujería (Excalibur, Conan, Lady Halcón), Los Señores del Acero es un puro condensado de las obsesiones truculentas y cínicas del director, para quien el hombre es un ser desdichado y malo por naturaleza y la violencia, el sexo y la codicia son los ejes que rigen el universo.

Pese a ser un relato de ficción, la trama estaba parcialmente inspirada, según Verhoeven, en el personaje de Jan van Leiden, un revolucionario anabaptista que en 1534 protagonizó un hecho histórico conocido como el cerco de Münster, una ciudad alemana que conquistó y gobernó durante dos años autoproclamándose rey de «La nueva Jerusalén» hasta que los ejércitos católicos retomaron el control, apresándolo y ejecutándolo públicamente. La película está ambientada en un lugar indeterminado de Europa Occidental en el año 1501, entre la convulsa Edad Media y el Renacimiento. Un ejército de mercenarios pone bajo asedio una ciudad amurallada para devolvérsela a su antiguo gobernante, el noble Arnolfini (Fernando Hillbeck), quien a cambio les ha autorizado a saquearla durante veinticuatro horas.

La banda está liderada por el diestro en la guerra y muy religioso Martin (Rutger Hauer), un hombre turbulento y tan contradictorio como el Gerard Reeve de El Cuarto Hombre. Le acompaña una serie de variopintos personajes, entre ellos un niño tamborilero, un cura amoral y varias prostitutas. Lograda la conquista, Arnolfini los traiciona y, como represalia, Martin secuestra y convierte en su amante a la princesa Agnes (Jennifer Jason Leigh, rechazadas las actrices Nastassja Kinski y Rebecca de Mornay), la prometida de su hijo Steven (Tom Burlinson). Agnes, como Christine en el anterior filme mencionado, es mitad víctima virginal, mitad ramera sin escrúpulos.

Tras la apariencia de típico cine de acción y de aventuras medievales, Los Señores del Acero esconde una mirada sombría y pesimista sobre la condición humana, tratando temas como la mezquindad, la superstición, el fanatismo religioso y el instinto de supervivencia. Verhoeven, con grandes dosis de incorrectismo político, vuelve a recrearse en lo perverso, la degeneración y el vicio, sin escatimar ningún tipo de violencia y de una forma realista: violaciones, epidemias, torturas, cuerpos en descomposición, batallas cruentas, sexo descarnado, humor escatológico.

La cinta posee el sello artístico de los ochenta, la adecuada atmósfera de cuento y es visualmente elegante, no obstante el tono sucio del relato. La iluminación y la puesta en escena retrotraen a Rembrandt y a Brueghel el Viejo, respectivamente. El propio Verhoeven confesó que estaba muy identificado con la pintura holandesa del siglo XVI y XVII, especialmente con El Bosco y su inefable El Jardín de la Delicias. La banda sonora, fabulosa, está compuesta por Basil Poledouris, que sabe capturar las esencias más bárbaras gracias a su poderoso estilo sinfónico. La película fue íntegramente rodada en España (Cáceres, Oviedo y el castillo de Belmonte), país que también participó en la dirección artística y el vestuario.

Titulada originalmente Flesh+Blood, Carne y Sangre, o su reflejo Sexo y Muerte (a los que podríamos añadir Religión), Los Señores del Acero viene en resumir el apotegma del cine de Verhoeven, en el que, como dicen, el hombre no hace el amor, folla, no mata, se ensaña.

TOP 45 Cine jurídico

2. DOCE HOMBRES SIN PIEDAD (12 Angry Men)
Sidney Lumet (EEUU, 1957)

Motivaciones del Jurado. Duda razonable

3. LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO (La Passion de Jeanne d’Arc)
Carl Th. Dreyer (FRA, 1928)

Proceso inquisitorial. Interrogatorio. Presunción de culpabilidad. S. XV

4. EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE (The Man who Shot Liberty Valance)
John Ford (EEUU, 1962)

Derecho Constitucional. Principio de Legalidad. Salvaje Oeste

6. TESTIGO DE CARGO (Witness for the Prosecution)
Billy Wilder (EEUU, 1957)

Proceso judicial penal. Medios de prueba. Testificales (perjurio)

7. RASHOMON (Rashômon)
Akira Kurosawa (JAP, 1950)

Reflexión sobre la Verdad. Imparcialidad. Testificales

5. ANATOMÍA DE UN ASESINATO (Anatomy of a Murder)
Otto Preminger (EEUU, 1959)

Proceso judicial penal. Abogacía, fiscalía y judicatura

8. SENDEROS DE GLORIA (Paths of Glory)
Stanley Kubrick (EEUU, 1957)

Consejo de Guerra. Abuso y jerarquización del poder militar. I Guerra Mundial

9. MATAR A UN RUISEÑOR (To Kill a Mockingbird)
Robert Mulligan (EEUU, 1962)

Retrato del buen abogado. Proceso judicial. Prejuicios sociales

10. M, EL VAMPIRO DE DÜSSELDORF (M)
Fritz Lang (ALE, 1931)

Psicología individual vs. Justicia (injusticia) social. Criminología

11. PERDICIÓN (Double Indemnity)
Billy Wilder (EEUU, 1944)

Derecho del Seguro. Estafa

12. LA VIDA DE LOS OTROS (Das Leben der Anderen)
Florian Henckel von Donnersmarck (ALE, 2006)

Violación de derechos y libertades. Derecho a la intimidad. Berlín Este (años 80)

13. SOY UN FUGITIVO (I am a Fugitive from a Chain Gang)
Mervyn LeRoy (EEUU, 1932)

Crítica al sistema penal. Prisiones (Chain Gang). Reinserción social. Norteamérica (años 20)

14. VEREDICTO FINAL (The Verdict)
Sidney Lumet (EEUU, 1982)

Proceso judicial. Negligencia médica. Abogados idealistas

17. LOS CAMARADAS (I Compagni)
Mario Monicelli (ITA/FRA/YUG, 1963)

Derechos del trabajador. Sindicalismo. Huelga

16. SECCIÓN ESPECIAL (Section Spéciale)
Costa-Gavras (FRA/ITA/RFA, 1975)

 Terrorismo de Estado. Independencia judicial y ley retroactiva. Francia ocupada

19. EL VERDUGO 
Luis G. Berlanga (ESP, 1963)

Pena de muerte. Óptica del ejecutor

15. LA HERENCIA DEL VIENTO (Inherit the Wind)
Stanley Kramer (EEUU, 1960)

Proceso judicial. Libertad religiosa y de pensamiento

26. DOCE HOMBRES SIN PIEDAD (TV)
Gustavo Pérez Puig (ESP, 1973)

Motivaciones del Jurado. Duda razonable

11. LA LEY DEL SILENCIO (On the Waterfront)
Elia Kazan (EEUU, 1954)

Toma de conciencia. Testificales. Delación

20. LA HUELGA (Stachka)
Sergei M. Eisenstein (URSS, 1925)

Derecho Laboral. Acción obrera. Rusia zarista

25. NO MATARÁS (Krótki Film o Zabijaniu)
Krzysztof Kieslowski (POL, 1988)

Filosofía del Derecho. Pena de muerte

18. LA BATALLA DE ARGEL (La Battaglia di Algeri)
Gillo Pontecorvo (ITA/AGL, 1965)

Derecho Internacional Público. Régimen jurídico colonial. Frente de Liberación Nacional (años 50)

24. EL PROCESO DE JUANA DE ARCO (Procès de Jeanne d’Arc)
Robert Bresson (FRA, 1962)

Proceso inquisitorial. Interrogatorio. Presunción de culpabilidad. S. XV

7. EL HOMBRE DE ALCATRAZ (Birdman of Alcatraz)
John Frankenheimer (EEUU, 1962)

Derecho Penitenciario. Incomunicación

28. SACCO Y VANZETTI (Sacco e Vanzetti)
Giuliano Montaldo (ITA/FRA, 1971)

Instrumentalización del sistema judicial. Inmigración y anarquismo. Norteamérica (años 20)

23. EL PROCESO (The Trial)
Orson Welles (FRA/ITA/RFA, 1962)

Sistema judicial absurdo. Indefensión

22. PLÁCIDO
Luis G. Berlanga (ESP, 1961)

Letra de cambio. Embargo

21. A WIFE CONFESSES (Tsuma wa kokuhaku suru)
Yasuzô Masumura (JAP, 1961)

Proceso judicial penal. Asesinato. Estado de necesidad

30. KRAMER CONTRA KRAMER (Kramer vs. Kramer)
Robert Benton (EEUU, 1979)

Derecho Matrimonial. Divorcio y custodia. Partes procesales

27. FURIA (Fury)
Fritz Lang (EEUU, 1936)

Ineficacia del sistema judicial. Presunción de inocencia. Linchamiento

16. CADENA PERPETUA (The Shawshank Redemption)
Frank Darabont (EEUU, 1994)

Ejecución de sentencia. Derecho Penitenciario

37. IMPULSO CRIMINAL (Compulsion)
Richard Fleischer (EEUU, 1959)

Proceso judicial penal. Criminología. Pena de muerte

8. INCIDENTE EN OX-BOW (The Ox-Bow Incident)
William A. Wellman (EEUU, 1943)

Derecho a un juicio justo. Culpabilidad. Salvaje Oeste

11. FRACTURE
Gregory Hoblit (EEUU, 2007)

Proceso judicial penal. Crimen perfecto. Fiscalía

34. MARTILLO PARA LAS BRUJAS (Kladivo na Carodejnice)
Otakar Vávra (CHE, 1970)

Juicios inquisitorios. Caza de brujas. S. XVII

16. LA CAJA DE MÚSICA (Music Box)
Costa-Gavras (EEUU, 1989)

Proceso judicial penal. Crímenes de guerra

9. LA MUERTE DE UN BURÓCRATA
Tomás Gutiérrez Alea (CUB, 1966)

Incompetencia administrativa

35. GETT: EL DIVORCIO DE VIVIANE AMSALEM (Gett, the Trial of Viviane Amsalem)
Ronit Elkabetz & Shlomi Elkabetz (ISR/FRA/ALE, 2014)

Derecho de Familia. Divorcio judío. Tribunal Rabínico

31. EL SARGENTO NEGRO (John Ford’s Sergeant Rutledge)
John Ford (EEUU, 1960)

Consejo de Guerra. Reconstrucción de hechos. Violación y asesinato. Salvaje Oeste

32. DOS HOMBRES EN LA CIUDAD (Deux Hommes dans la Ville)
José Giovanni (FRA/ITA, 1973)

Pena de muerte. Reinserción social

33. LA FRAGATA INFERNAL (Billy Budd)
Peter Ustinov (GB, 1962)

Consejo de Guerra. Ley, justicia y conciencia

2. EL MISTERIO DE VON BÜLOW (Reversal of Fortune)
Barbet Schroeder (EEUU, 1990)

Apelación contra sentencia condenatoria. Preparación de pruebas. Intento de asesinato

22. EL PISITO
Marco Ferreri y Isidoro M. Ferry (ESP, 1958)

Mercado de la vivienda. Arrendamientos

40. DANTON
Andrzej Wajda (FRA/POL, 1982)

Juicio político. Etapa del Terror (Revolución Francesa)

29. FALSO CULPABLE (The Wrong Man)
Alfred Hitchcock (EEUU, 1956)

Ineficacia del sistema jurídico-policial. Inocente acusado

39. GIORDANO BRUNO
Giuliano Montaldo (ITA/FRA, 1973)

Proceso inquisitorial. Religión vs. Razón. S. XVI

38. NUNCA ACEPTES DULCES DE UN EXTRAÑO (Never Take Sweets from a Stranger)
Cyril Frankel (GB, 1960)

Juicio penal. Abusos sexuales

11. PHILADELPHIA
Jonathan Demme (EEUU, 1993)

Despido improcedente. Sida. Dignidad

10. GOSTANZA DA LIBBIANO
Paolo Benvenuti (ITA, 2000)

Proceso inquisitorial. Brujería. S. XVI

36. AHÍ ESTÁ EL DETALLE
Juan Bustillo Oro (MEX, 1940)

Juicio penal. Confusión absurda

52. BAMAKO
Abderrahmane Sissako (MLI, 2006)

Juicio al capitalismo. África vs. Banco Mundial, FMI

Mención extra: THE DYBBUK (Der Dibuk)
Michal Waszynski (POL, 1937)

Juicio religioso. Tradición judía. Brujería

39. LA CLASE OBRERA VA AL PARAÍSO (La Classe Operaia va in Paradiso)
Elio Petri (ITA, 1971)

Derecho del Trabajo. Reivindicaciones laborales. Sindicalismo

11. EL CASO WINSLOW (The Winslow Boy)
David Mame (EEUU, 1999)

Derecho a un juicio justo. Honor. Robo. Años 1910-1919

29. EL PROCESO PARADINE (The Paradine Case)
Alfred Hitchcock (EEUU, 1947)

Proceso judicial penal. Asesinato

YO CONFIESO, EL PROCESO PARADINE, EL PISITO

Mención extra: 

COMULGANTES, LOS

Nattvardsgästerna

Suecia, 1963. 80 min. B/N

Dirección: INGMAR BERGMAN. Guión: Ingmar Bergman. Música: Evald Andersson. Fotografía: Sven Nykvist. Intérpretes: Gunnar Björnstrand, Ingrid Thulin, Max von Sydow, Gunnel Lindblom, Allan Edwall, Kölbjorn Knudsen, Olof Thunberg, Elsa Ebbesen, Tor Borong, Bertha Sannell.

«Por lo que a mí respecta, en ese momento obtuve el final de Los Comulgantes y la codificación de una regla que siempre había seguido y siempre habría de seguir: ‘Pase lo que pase, tienes que decir tu misa. Es importante para los feligreses, es más importante aún para ti. Si también es importante para Dios, ya lo veremos. Si no hubiera otro dios que tu esperanza, también sería importante para ese dios'»

Ingmar Bergman, recordando unas enseñanzas de su padre

Los Comulgantes (titulada Winter Light en su versión internacional), realizada tres años antes de Persona (1966), sitúa definitivamente a Ingmar Bergman en la línea de los cineastas-autores inalcanzables del siglo XX, llámense Carl Theodor Dreyer, Yasujirō Ozu o Andrei Tarkovsky. La película supuso una verdadera ruptura estética dentro de su obra, siendo la que más se aproxima al arte dreyeriano, tanto por su contenido religioso, que resulta más evidente, desesperado y trágico en el sueco que en el danés, más vitalista, como por la forma y estilo, privilegiando la austeridad extrema y los primeros planos de rostros dignos herederos de los de La Pasión de Juana de Arco como vehículos transmisores de las emociones.

Es precisamente esa búsqueda de sencillez y pureza en el lenguaje cinematográfico y ese querer llegar a la esencia de las cosas con la mayor concisión posible lo que emparenta al maestro Bergman con algunos de sus contemporáneos (el mismo Dreyer, Bresson, Rossellini). Una manera de hacer cine y de entenderlo, el de esta estirpe de directores, totalmente en desuso en la actualidad, donde las producciones, lejos de servir para despertar el alma, buscan el exceso y anteponen la pirotecnia. Otros (benditos) tiempos.

Los Comulgantes forma parte de la denominada Trilogía del Silencio de Dios de Bergman, completada por Como en un Espejo (1961) y El Silencio (1963). Estas tres películas fueron fruto de la crisis de fe que el director sufrió en 1960 y supusieron un giro en su filmografía, que a partir de entonces abandonó la idea de la religión como refugio o consuelo. Nattvardsgästerna se centra en el pastor protestante Thomas Ericsson (Gunnar Björnstrand, en su mejor interpretación), quien regenta las pequeñas parroquias de Mitsunda y Fröstnas en la fría campiña sueca. El reverendo es un ser atormentado y sumido en una profunda crisis espiritual debido a su creciente inseguridad sobre la existencia de Dios, que se muestra callado ante el sufrimiento que padece y la crueldad del mundo en el que vive (como Antonius Block en El Séptimo Sello). En palabras de Thomas: «Llevamos una vida normal, sencilla, y noticias espantosas alteran nuestra paz. Nos abruma el sentido de las cosas y Dios se hace distante. Me siento impotente».

La resquebrajada fe del pastor será puesta aún más a prueba por dos de sus comulgantes, cuya relación con ellos le servirá para descubrir que su problemática, además de religiosa, es personal. Por un lado, Märta Lundberg (la envejecida Ingrid Thulin, imponente como siempre), una maestra que está enamorada de él y que Thomas rechaza amparado en el recuerdo de su esposa fallecida. Por otro lado, el campesino Jonas Persson (Max von Sydow, en una actuación breve pero poderosa), un hombre depresivo que le pide ayuda –en vano– para sobrellevar sus temores suicidas acerca de un conflicto atómico en China (preocupación que, aunque pueda resultar surrealista, tendría coherencia ante un contexto de posguerra y guerra fría).

Los Comulgantes es un filme honesto, severo y de metraje breve pero intenso que funde magistralmente dos constantes de Bergman: la duda metafísica y el análisis introspectivo de las relaciones íntimas. La película no solo habla del vacío de Dios y la soledad personal, sino que igualmente es una reflexión acerca del desamor (a las mujeres, a la vida) y de la incapacidad para expresar afecto y encontrar contacto con otros seres humanos. Ya no se trata solo de la constatación de que Dios no existe; también de cómo hallar sentido y encaje a nuestra existencia después de la certeza de que ese silencio y abandono son intrínsecos a la condición humana (en la figura del nihilista Thomas dejándose arrastrar ante el vacío y el horror de la nada más absoluta).

La abstemia formal del filme, el rigor compositivo de los encuadres y el alto poder de penetración emocional de la imagen, sin desdeñar la dureza y el sentimiento de vértigo con que se muestran los signos religiosos (crucifijos, pinturas murales, accesorios litúrgicos), actúan como perfecto correlato del fondo argumental y de la ofuscación mental de los personajes. La atmósfera de desesperanza y agobio vital se refuerza gracias a la evocadora fotografía en blanco y negro de Sven Nykvist, que plasma con agudeza un mundo plúmbeo, áspero y hasta amenazante, de exteriores fríos y nevados y de interiores quietos y opresivos, por cuyos ventanales se filtra la luz serena de fuera, lo que recuerda al pintor Vilhelm Hammershøi. Por su parte, los actores, iluminados regiamente en primeros planos, soberbios como siempre en el cine de Bergman, ofrecen interpretaciones contenidas y de gran concentración.

Obra mayor del sueco Bergman y definitiva dentro de las que dedicó a la temática religiosa, Nattvardsgästerna inquieta por la profundidad del interrogatorio que plantea y por las conclusiones pesimistas-liberatorias que se extraen. ¿Acaso no sería más fácil la vida sabiendo que Dios no existe, ya que si fuera así, no habría necesidad de buscar significado al dolor? Como decía Jean-Paul Sartre, «el hombre es el ser que, a través de la interrogación, trae la nada al mundo». El propio Bergman admitiría más tarde que de todas las películas que realizó Los Comulgantes fue la más importante para él y con la que quedó más sinceramente satisfecho, ya que con ella aclararía finalmente sus dudas sobre la existencia de Dios, declarándose ateo desde entonces.

«Me desconcierta tanto pensar que Dios existe, como que no existe»

Gabriel G. Márquez

TOP 15 Yasujirō Ozu

YASUJIRŌ OZU (Fukagawa, Tokio, Japón, 1903 – 1963)
Maestro de la cámara estática y en convertir lo cotidiano en algo extraordinario

«Si existieran aún en nuestro siglo los objetos sagrados, si existiera algo parecido a un tesoro sagrado del cine, habría de ser la obra de Yasujirô Ozu»

Wim Wenders

1. CUENTOS DE TOKIO
(Tokyo Monogatari, 1953)

2. LA HIERBA ERRANTE
(Ukigusa, 1959)

3. CREPÚSCULO EN TOKIO
(Tokyo Boshoku, 1957)

4. EL SABOR DEL SAKE
(Sanma No Aji, 1962)

5. PRIMAVERA TARDÍA
(Banshun, 1949)

6. OTOÑO TARDÍO (FIN DE OTOÑO)
(Akibiyori, 1960)

7. HE NACIDO PERO… (Y SIN EMBARGO HEMOS NACIDO)
(Umarete Wa Mita Keredo, 1932)

8. EL COMIENZO DEL VERANO
(Bakushû, 1951)

9. HABÍA UN PADRE
(Chichi Ariki, 1942)

10. HISTORIA DE UNA HIERBA ERRANTE
(Ukigusa Monogatari, 1934)

11. MEMORIAS DE UN INQUILINO (aka HISTORIAS DE UN VECINDARIO)
(Nagaya Shinshiroku, 1947)

12. BUENOS DÍAS
(Ohayô, 1959)

13. FLORES DE EQUINOCCIO
(Higanbana, 1958)

14. LAS HERMANAS MUNEKATA
(Munekata Kyodai, 1950)

15. EL OTOÑO DE LA FAMILIA KOHAYAGAWA (aka EL FINAL DEL VERANO)
(Kohayagawa-ke No Aki, 1961)

Mención extra: LA MUJER DE ESA NOCHE
(Sono Yo No Tsuma, 1930)

PLANETA PROHIBIDO

Forbidden Planet

Estados Unidos, 1956. 98 min. C

Dirección: FRED M. WILCOX. Guión: Cyril Hume (Historia: Irving Block, Allen Adler). Música: Bebe Barron, Louis Barron. Fotografía: George J. Folsey. Intérpretes: Walter Pidgeon, Anne Francis, Leslie Nielsen, Warren Stevens, Jack Kelly, Richard Anderson, Earl Holliman, George Wallace.

«Dentro de un millón de años, el hombre llegará al punto en que los Krel consiguieron alcanzar su momento de triunfo y tragedia»

(el comandante Adams/Leslie Nielsen)

Forbidden Planet es una de las más resplandecientes joyas de la Edad de Oro de la ciencia ficción cinematográfica (1950-1960), una etapa marcada por la Serie B y el ingenio creativo de quienes la cultivaron. Películas obsesionadas con el terror atómico (El Monstruo de los Tiempos Remotos, Ultimátum a la Tierra), las mutaciones (El Increíble Hombre Menguante, La Humanidad en Peligro) y las invasiones extraterrestres (La Guerra de los Mundos, La Invasión de los Ladrones de Cuerpos) fueron el reflejo del miedo ante lo desconocido, pero muchas también al comunismo (si aceptamos la imagen del marciano-invasor como metáfora del comunista), que trae el apocalipsis a la Tierra y aniquila el capitalismo.

Realizada en 1956, Planeta Prohibido es el filme-paradigma del tema «viaje interplanetario», si bien su director Fred M. Wilcox se centra más en el alma y el poder de la mente, dejando al margen cualquier vestigio de Guerra Fría u otras paranoias colectivas. Igualmente de enorme influencia para la sci-fi posterior, incluidas Star Trek y IKARIE XB 1  (ésta también por el robot), la película fue una de las primeras superproducciones de ciencia ficción y uno de los mayores éxitos de la historia del género. Vista hoy día, resulta un puro y gozoso divertimento filosófico-espacial.

Principios del siglo XXIII. El crucero C-57-D de la Confederación de Planetas Unidos, conducido por el comandante Adams (Leslie Nielsen), llega al planeta Altair-4, que se encuentra a dieciséis años luz de la Tierra. Su misión es investigar el destino de una expedición anterior, enviada veinte años atrás con el propósito de colonizar mencionado planeta. La tripulación descubre que el único superviviente fue el Dr. Edward Morbius (Walter Pidgeon), un científico arrogante que vive en compañía de su seductora e infantil hija Altaira (Anne Francis) y un simpático y servicial robot llamado Robby (uno de los seres mecánicos más recordados de la ciencia ficción y arquetipo de las leyes de la robótica postuladas por Isaac Asimov).

El mad doctor Morbius ha logrado descifrar, tras muchos años intentándolo, el secreto mejor guardado de los Krel, los primeros habitantes de Altair-4, una civilización tan perfecta y avanzada que había superado la enfermedad, la locura y el crimen y había conseguido liberarse del uso de cualquier instrumental físico para hacerlo todo mediante el pensamiento y la inteligencia. Pese a dichas capacidades, un misterioso mal los extinguió hace veinte mil años, un mal que ahora amenaza de nuevo.

Planeta Prohibido, cuya trama está inspirada en «La Tempestad» de Shakespeare, trata cuestiones tan poco frecuentes en la ciencia ficción coetánea como el psicoanálisis y los monstruos que origina el subconsciente. La película de Wilcox finaliza alabando las leyes y las religiones (vistas como freno a las engendros de la razón) y recordando que el hombre no es Dios. Reflexiva y de enfoque adulto, al mismo tiempo supone un baño de genuina space opera, ese tentáculo de la ciencia ficción derivado de la literatura pulp que abordó aventuras interplanetarias con halo futurista, tecnológico y romántico.

A pesar de su inevitable toque kitsh, el filme destaca por su factura técnica, la cual se plasma en la espléndida fotografía en Eastmancolor y CinemaScope de George J. Folsey y en los fantásticos decorados diseñados por Cedric Gibbons (con once Oscars en su haber), especialmente los de la imponente ciudad subterránea de los Krel. Planeta Prohibido posee un ritmo pausado, está dotada de una atmósfera inquietante y hace gala de unos brillantes y artesanales efectos especiales. Fue el primer filme que contó con una banda sonora original compuesta enteramente con instrumentos electrónicos. Además, la erótica Anne Francis fue la primera actriz que apareció en minifalda en la historia del cine (en varios países se prohibió la película por este motivo). Forbidden Planet. Una de las indiscutibles cimas artísticas del género.

«Preparen sus mentes para una nueva escala de la ciencia física»

(Dr. Morbius/Walter Pidgeon)

TOP 20 La Pietà en el cine

Pietà o Piedad del Vaticano – Miguel Ángel, 1498-1499

«Fue traspasado por nuestras rebeldías, triturado por nuestras culpas. Por sus llagas hemos sido curados»

Isaías, 53

Por orden cronológico

1. CHRISTUS
Giulio Antamoro (ITA, 1916)

2. EL ACORAZADO POTEMKIN (Bronenosets Potyomkin)
Sergei M. Eisenstein (URSS, 1925)

3. LA MADRE (Mat)
Vsevolod Pudovkin (URSS, 1926)

4. ¡QUÉ VERDE ERA MI VALLE! (How Green Was My Valley)
John Ford (EEUU, 1941)

5. YO ANDUVE CON UN ZOMBIE (I Walked with a Zombie)
Jacques Tourneur (EEUU, 1943)

6. FRANKENSTEIN Y EL HOMBRE LOBO (Frankenstein Meets the Wolf Man)
Roy William Neill (EEUU, 1943)

7. ROMA, CIUDAD ABIERTA (Roma Città Aperta)
Roberto Rossellini (ITA, 1945)

8. EL ABRAZO DE LA MUERTE (Criss Cross)
Robert Siodmak (EEUU, 1949)

9. ANDREI RUBLEV
Andrei Tarkovsky (URSS, 1966)

10. TOPAZ
Alfred Hitchcock (EEUU, 1969)

11. GRITOS Y SUSURROS (Viskningar och Rop)
Ingmar Bergman (SUE, 1972)

12. SOLARIS (Solyaris)
Andrei Tarkovsky (URSS, 1972)

13. CUERNO DE CABRA (Kozijat Rog)
Metodi Andonov (BUL, 1972)

14. CONFIDENCIAS (Gruppo di Famiglia in un Interno)
Luchino Visconti (ITA/FRA, 1974)

15. FOLLIA OMICIDA-MURDER OBSESSION
Ricardo Fredda (ITA/FRA, 1981)

16. INSEPARABLES (Dead Ringers)
David Cronenberg (CAN, 1988)

17. MI IDAHO PRIVADO (My Own Private Idaho)
Gus Van Sant (EEUU, 1991)

18. MADRE E HIJO (Mat’ i Syn)
Aleksandr Sokurov (RUS/ALE, 1997)

19. LA PASIÓN DE CRISTO (The Passion of the Christ)
Mel Gibson (EEUU, 2004)

20. PIETÀ (PIEDAD) (Pietà)
Kim Ki-duk (COR, 2012)

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BELLA Y LA BESTIA, LA

La Belle et la Bête

Francia, 1946. 90 min. B/N

Director: JEAN COCTEAU. Guión: Jean Cocteau (Cuento: Jeanne-Marie Leprince de Beaumont). Música: Georges Auric. Fotografía: Henri Alekan. Intérpretes: Jean Marais, Josette Day, Marcel André, Mila Parély, Nane Germon, Michel Auclair.

«El amor puede convertir a un hombre en bestia. El amor puede hacer que un hombre feo se vuelva guapo»

Jean Cocteau (1889-1963) fue un intelectual triunfante en casi todas las artes: literatura, teatro, pintura, dibujo, cine y, ante todo, poesía. Nacido en una familia de la alta burguesía, considerado un niño prodigio y aficionado al opio de por vida tras la muerte súbita de su gran amor, el escritor Raymond Radiguet, Cocteau está considerado una de las figuras más destacadas de la vanguardia en las primeras décadas del siglo XX. Su primera incursión en el cine fue la experimental y muy obsesiva Le Sang d’un Poète (1932), un mediometraje de culto que recoge influencias del Surrealismo y estuvo financiado, como L’âge D’or, de Buñuel, por los vizcondes de Noailles.

Tuvieron que pasar catorce años hasta que el francés rodara su siguiente película, La Belle et la Bête, su trabajo más apreciado con permiso de Orphée (1950). Brillante adaptación del cuento de hadas tradicional de Jeanne Marie Leprince de Beaumont publicado en 1756, La Belle et la Bête da rienda suelta a los más extravagantes y fantásticos impulsos creativos de su autor, quien inventa un mundo perdido en el tiempo donde todo es posible pero solo cuenta el amor: el amor de Bella para redimir el mal de Bestia.

Érase una vez… un comerciante arruinado malvivía con su hijo Ludovic y sus tres hijas: las groseras y materialistas Félicie y Adélaïde y la delicada y narcisista Bella (Josette Day). Un día, el mercader se pierde en el bosque y entra en un castillo hechizado, cortando del jardín una rosa blanca para Bella. Bestia (Jean Marais), al descubrirlo, le impone un castigo por su osadía: elegir entre morir o enviar a una de sus hijas a vivir con él. Bella, para salvar a su padre, se ofrece voluntaria. Al principio horrorizada por el aspecto leonino de la criatura, poco a poco irá descubriendo que el señor del castillo es, sin embargo, un ser sensible y de buen corazón: «Padre, ese monstruo es bueno», confiesa Bella a su padre.

El final de la película está teñido de fina ironía: es la «desilusión» de Bella al comprobar que su amada Bestia es, en realidad, un hombre guapo, que además tiene un físico idéntico a Avenant (Jean Marais), el ex pretendiente de turno. ¡Ella estaba enamorada de un monstruo «feo» y de alma bondadosa! La misma Greta Garbo, el día del estreno, cuando Bestia se trasforma en un apuesto príncipe, exclamó: «¡Devolvedme a mi hermosa bestia!». Pese a ello, Bella sonríe a Bestia (ahora convertido en un hombre guapo), lo besa y se alza en vuelo con él.

La Bella y la Bestia, una «pieza tan libre como un dibujo animado», en palabras de Jean Cocteau, es cine irracional en su vena más poética y romántica, allá donde lo onírico y simbólico se combina con el amor tierno y apasionado. Bajo la apariencia de un cuento para niños y con unos diálogos que rebosan lirismo, el director elabora una fábula didáctica y alegórica, más compleja de lo que parece, sobre la belleza (exterior/interior), los sentimientos puros y la necesidad de comprensión.

Como es sabido, la verdadera fuerza de la película reside en el apartado visual, aunando fascinación surrealista y expresionista. La Bella y la Bestia es un cuadro barroco, bucólico y mórbido que tan pronto recuerda a los grabados de Gustave Doré como a la pintura flamenca. Ayudado por los diseñadores Christian Bérard y Lucien Carré, Cocteau presenta una puesta en escena sorprendente, especialmente en el siniestro castillo: brazos humanoides sosteniendo candelabros, estatuas pétreas que cobran vida o espejos como pantallas líquidas. En el elenco actoral destaca el atractivo Jean Marais, por entonces amante del director, que interpreta un triple papel: Avenant, el Príncipe y, sobre todo, Bestia, que aún con un maquillaje denso y velludo obra de Hagop Arakélia es capaz de expresar humanidad y bondad solo con los gestos, los ojos y el tono de voz.

Película cándida y elegante, de magia desbordante y exquisita sensibilidad. Pura oda a la fealdad, donde a veces la verdad y la realidad se contradicen. Un título único e imprescindible del cine fantástico europeo.

 BESTIA: «Además de feo no tengo inteligencia»
BELLA: «Tenéis inteligencia para daros cuenta»

REGRESO, EL

Vozvrashchenie

Rusia, 2003. 105 min. C

Director: ANDREI ZVYAGINTSEV. Guión: Vladimir Moiseenko, Alexandre Novototsky. Música: Andrey Dergatchev. Fotografía: Mikhail Kritchman. Intérpretes: Vladimir Garin, Ivan Dobronravov, Konstantin Lavronenko, Natalia Vdovina, Galina Popova, Aleksey Suknovalov, Lazar Dubovik, Elizaveta Aleksandrova.

«Si no fueras así, te querría»

Iván, a su padre

El ruso Andréi Zviáguintsev (Novosibirsk, 1964) es uno de los directores, de los considerados metafísicos o espirituales, más demoledores del siglo XXI. La ópera prima de Zviáguintsev, premiada con el León de Oro de Venecia en el año 2003, es su mejor película y un oasis en el desierto cinematográfico actual, muchas veces más ocupado en distraer a los espectadores con intrascendentes espectáculos pirotécnicos que en mostrar verdadero talento artístico.

Vozvrashchenie es una pieza dura como el mármol, hermética y de aire místico que, aunque enmarcada dentro del cine realista y más contemporáneo, bebe de Tarkovsky y, en menor medida, de Sokurov. Y es que Andréi Zviáguintsev, como Nuri Bilge Ceylan, es uno de esos cineastas nuevos capaces de esculpir, con rica simbología, paisajes morales y anímicos de devastadora profundidad.

A modo de road movie trascendental, la película narra la historia de dos hermanos casi adolescentes, Iván (Ivan Drobonravov) y Andréi (Vladimir Garin), los cuales sufren un brusco cambio en sus vidas cuando su desconocido Padre (Konstantin Lavronenko) regresa a casa después de doce años. Junto a él, ambos emprenderán un viaje (estructurado en seis días) a través de Siberia hacia una remota y solitaria isla, una especie de Zona stalkeriana.

Con este exiguo argumento, el autor ruso construye toda una reflexión acerca de la paternidad irresponsable, vista como destino y suplicio. Los Hijos odian y admiran a su Padre, quien se muestra callado, severo e instrumentador. Mientras Iván está dolido por su ausencia y lo desafía con rabia, su hermano Andréi es más sumiso y confía en él. Fatalidades de la vida, el pequeño actor Vladimir (Andréi) moriría ahogado, poco después de estrenarse la película, en uno de los mismos lagos donde se grabaron algunas secuencias.

¿Por qué se fue el padre? ¿Por qué regresa? ¿Qué es lo que busca en el viaje? El filme, un enigma en sí mismo, no responde explícitamente a muchos interrogantes. Seguramente no importa. Lo que Zviáguintsev propone es un viaje físico-mental lleno de sensaciones, miedos y esperanzas, un itinerario de aprendizaje doloroso –pero necesario– hacia la transformación vital de unos niños que regresarán a casa siendo otros.

Si bien El Regreso trata, sobre todo, las relaciones paterno-filiales y el ingreso en la edad adulta, también puede mirarse desde el plano alegórico: como una metáfora sobre Rusia, un país sin padre después de la caída del comunismo y la desintegración de la Unión Soviética, o como una metáfora religiosa, encontrándose en la figura del Padre –en su primera primera aparición emulando la pintura Lamentación sobre Cristo Muerto, de Andrea Mantegna– una semblanza de Jesús.

Como en Tarkovsy, la Naturaleza, omnipresente, adquiere gran relevancia. Así, el frío y bello paisaje del norte de Rusia y las condiciones atmosféricas actúan como metonimia estético-visual de la psique de los protagonistas, lo que la conecta, en este sentido, con películas tan dispares como Dersu Uzala (ambientada en la estepa siberiana), El Cuchillo en el Agua (en los lagos polacos de Mazuria), Madre e Hijo (un campo ruso), La Eternidad y un Día (los Balcanes griegos), La Isla (un lago surcoreano) o algunas de Antonioni.

Prodigiosa en sus aspectos técnicos y plásticos, dotada de quietud y elegancia, en ella se percibe el orden y el minimalismo. La película remite a Dreyer en cuanto a la pulcritud de los movimientos de cámara y encuadres, especialmente en las escenas interiores. La muy compleja iluminación y fotografía de Mikhail Krichman son memorables. Ésta, acuosa y en tonos ceniza, recoge influencias pictóricas del Romanticismo alemán (tragedia, paisaje) y presenta principalmente espacios abiertos (carretera, mar), no obstante cargados de claustrofobia y tensión latente a punto de estallar.

El Regreso, temprana obra maestra del nuevo milenio, ostenta un calibre artístico insólito para los tiempos que corren. Insondable en sus propósitos, su director la definió como «una mirada mitológica a la naturaleza humana».